martes, 24 de diciembre de 2019

DEVEREAUX PLANTAGENET COCKBURN

MEMORIAL DE DEVEREAUX PLANTAGENET COCKBURN (1829-1850) Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
RECURSO. Tomado de Google. Traducción personal del inglés. 
Esta es la larga inscripción que encontramos en el frente de la obra.
"En medio de estos restos de la gloria terrenal y de la esperanza abrigada, y donde todavía no falla,
"La primavera de las visitas importantes", reviviendo la naturaleza, que pone en reposo lo poco que podría morir,
Devereux Plantagenet Cockburn, último de los Royal Scots Greys, 2nd Dragoons, y primer hijo nacido de sir W. S. R. Cockburn Bart n. s. en la lejana Gran Bretaña.de piedad profunda y sin pretensiones, de dotaciones raras y corporales. fue amado por todos los que lo conocieron y lo más preciado para sus padres y familiares, que habían buscado su salud en muchos climas extranjeros, partió de esta vida en Roma, el 3 de mayo de 1850, a la edad de 21 años ".




JOHN LOUIS PECCOLI

MEMORIAL JOHN LOUIS PECCOLI. Nacio el 14 de junio de 1939. Fallece el 5 de octubre de 1955 en Roma. Dedicado a la danza y como vemos muere muy joven. No hay mayores datos sobre su vida ni sobre el creador de esta obra. Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019





GEORGE VOLKOFF - Obra del escultor ERNESTO GAZZERI

MEMORIAL DE GEORGE VOLKOFF Y SU MADRE ANNA VOLKOF escultura obra de ERNESTO GAZZERI. 
Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
Una de las virtudes que he encontrado en este espacio y que me ha hecho sentir cómodo es la serenidad que encuentro en la mayoría de las obras allí expuestas. Me ha sorprendido lo cuidado que esta la profusa vegetación que acompaña el caminar de visitantes. Esta es una tumba de un niño o adolescente que vemos despejada de todo dramatismo. Me acompaña esa mirada confiada y tranquila con la cual su familia nos quiere comunicar sus sentimientos.
GEORGE VOLKOFF  nació en la ciudad de SOFIA 18.VIII.1925  falleció en ROMA 13.VI.1936
Esta es una obra evidentemente firmada por su autor el escultor aparentemente llamado ERNESTO GAZZERI que vivió entre 1866 y 1965. Hay muchos datos confusos con respecto a estas fechas. No hay ninguna biografía confiable en Internet. Ha trabajado tanto en Italia donde fue muy activo en el 1900 y también en Estados Unidos, especialmente en California. Muere en Roma.

RECURSO:
De origen florentino, Ernesto Ermete Gazzeri, nacido en Módena el 13 de junio de 1866, estuvo presente en la Exposición Universal de París, en 1904, en la exposición de arte italiano organizada en Earl's Court en Londres. Ilustra la supervivencia de un arte neoclásico, heredado de las antigüedades y de Canovas. Se beneficia de una clientela internacional y se ilustra en varios temas, haciendo numerosos bustos, monumentos funerarios o públicos. 

Encontramos esta plegaria en este memorial:
PEQUEÑO AMADO
QUE CON  TU AFECTO
Y TU INTELIGENCIA
FUISTE LA  ALEGRÍA Y EL ORGULLO
DE TUS PADRES
-------
DESDE EL CIELO
SE FAVORABLE  PARA ELLOS
QUE TU FIN TRÁGICO
LES GUÍA  EN EL DOLOR




JOHN KEATS Y JOSEPH SEVERN

LAS TUMBAS DE JOHN KEATS Y JOSEPH SEVERN. 
(Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
RECURSO. 
Ya no crecen margaritas sobre su tumba, tal y como era su deseo, ni tampoco se ha convertido en alguien cuyo nombre fue escrito en el agua, por mucho que en su lápida no figure su nombre, y todo se resuma a un poema y a una lira a la que le faltan la mitad de las cuerdas. Sólo hace falta rendir una visita al Cimetero Acattolico de la ciudad de Roma en Campo Certio, para darnos cuenta del halo que desprende la obra de este joven poeta (fallecido a los veinticinco años el veinticuatro de febrero de mil ochocientos veintiuno) en el espíritu de todos aquellos que necesitan de la belleza para sobrevivir. Sus poemas, aunque escasos, con el paso del tiempo se han convertido en una especie de maná con el que muchos alimentan su alma, pues no son pocos los que buscan la verdad y la belleza más allá de su anodina existencia, y cuando encuentran los poemas de Keats, ya no pueden dejar de leerlos para alimentar a su maltrecho espíritu. En este sentido, el caminito enlosado que nos lleva hasta su tumba así lo atestigua, pues es pisado una y otra vez por un buen número de penitentes que quieren cumplir con la liturgia de visitar el lugar donde descansan los restos de su poeta entrañable o favorito. No hace falta sino permanecer unos minutos a su lado, para comprender que John Keats forma parte del Olimpo de los elegidos, y no sólo por parte de la crítica literaria inglesa, que le considera como el más destacado de sus poetas de la parte final del Romanticismo, sino porque sus odas son ya patrimonio de la humanidad. Si su maltrecha salud no fue capaz de sobreponerse al paso del tiempo, sus versos y poemas sí lo han hecho, y se han erigido en el máximo estandarte de una forma de sentir y vivir la vida que no conoce de fronteras, salvo la de los sentimientos. La verdad, la belleza o la transformación en ruiseñor a través de lo que él llamaba como capacidad negativa son algunos de los signos de identidad del poeta que quedarán por los siglos de los siglos, y que nos llevarán hacia ese otro territorio donde sólo le está permitido a las mariposas posarse sobre las flores.
Y a su lado, el fiel Joseph Severn, amigo accidental que en un principio le acompañó en su viaje hacia la muerte, y que después se convirtió en el gran apoyo y albacea de sus últimos días en este mundo. Gracias a Severn conocemos la cronología de unos días teñidos de sufrimiento y duermevela que no han hecho sino acrecentar la gloria del poeta a través del hombre que aguantó todo lo que pudo hasta que sus ojos se cerraron en el sueño más profundo. Menos mal, que tras de sí quedará la gloria de aquellos que con su presencia hicieron del mundo un lugar diferente, en este caso, un lugar donde la contemplación de la naturaleza, o la necesidad de amar son el primer y último hálito de una forma de entender la vida.
Artículo de Ángel Silvelo Gabriel.




JOHN KEATS. - Oda a la muerte.

MEMORIAL DE JOHN KEATS. Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019
Este espacio es emblemático del espíritu del movimiento romántico. El visitar y enfrentar la tumba del poeta Keats me ha compelido a conocer su obra. Creo que esas acciones son efectos colaterales de estas caminatas que me enriquecen cada día. Espero en algún momento poder traducir su epitafio que es brillante.
RECURSO.
John KeatsLondres, 31 de octubre de 1795-Roma, 23 de febrero de 1821) fue uno de los principales poetas británicos del Romanticismo.
Durante su corta vida su obra fue objeto de constantes ataques y no fue sino hasta mucho después que fue completamente reivindicada. La lírica de Keats se caracteriza por un lenguaje exuberante e imaginativo, atemperado por la melancolía. Keats tenía con frecuencia la sensación de trabajar a la sombra de los grandes poetas del pasado y sólo hacia el final de su efímera vida, cuando sentía cerca la oscuridad de la muerte, fue capaz de producir sus poemas más auténticos y memorables
He aquí la Oda a la Muerte justamente de Keats.
¿Puede la Muerte estar dormida, si la vida es solo un sueño,
Y las escenas de dicha pasan como un fantasma?
Los efímeros placeres a visiones se asemejan,
Y aun creemos que el dolor más grande es morir.
II
Cuán extraño es que el hombre deba errar sobre la tierra,
Y llevar una vida de tristeza, pero que no abandone
Su escabroso sendero, ni se atreva a contemplar solo
Su destino funesto, que no es sino despertar.



PIRAMIDE DE CAYO CESTIO.

Pirámide de Cayo Cestio sobre la muralla Aureliana visto desde el espacio dedicado a la lectura y reflexión en este cementerio. Foto personal tomada el 10 y el 21 de noviembre de 2019
RECURSO.
La Pirámide Cestia

La Pirámide ¿(o Pirámide de Cayo Cestio) es una pirámide de estilo egipcio que se encuentra en Roma, junto a la Porta San Paolo y al cementerio protestante de la ciudad.
Se construyó en torno a los años 18 y 12 a. C. como sepulcro para Cayo Cestio Epulón, magistrado. Su base, cuadrada, tiene alrededor de 30 metros de lado, y alcanza una altura de 36,40 metros. Está recubierta de mármol, aunque su construcción interna está realizada en ladrillo. En los lados oriental y occidental se encuentran sendas inscripciones en latín donde se registra tanto el nombre de Cestio, como las circunstancias de la construcción, que según esto duró 330 días


FRIEDRICH GESECHAP - Obra del escultor RUDOLF SIEMERING

MEMORIAL DE FRIEDRICH GESELSHAP. Fotos personales tomadas el 21 de noviembre de 2019
Este espacio y sus significativas obras de arte ha sido el mayor descubrimiento de este caminar por la ciudad de Roma. Como no puedo con mi identidad de docente me es muy difícil compartir imágenes sin su correspondiente explicación. El investigar sobre los personajes que recuerda cada monumento es también mi propio proceso de aprendizaje y creo que quienes nos interesan estos espacios somos responsables de mantener una memoria viva y actuante.
RECURSO
FRIEDRICH GESECHAP.
UNA FANTASÍA DE FIN DE SIGLO: el monumento a Friedrich Geselschap
A la sombra de un laurel, entre los monumentos destacados de August von Goethe y el escultor galés John Gibson, se encuentra la tumba del pintor de escenas históricas de origen alemán Friedrich Geselschap (Zona 1.13.20). Nacido en Renania el 5 de mayo de 1835, Geselschap comenzó su aprendizaje artístico estudiando a los antiguos maestros en Dresde y Düsseldorf, y continuó su formación en Roma en 1866. Aunque radicado en Berlín desde 1871, él y su círculo artístico huyeron de los duros inviernos del norte para dibujar y relajarse en Roma y en los centros turísticos costeros del sur de Italia Recordado por grandes pinturas históricas y religiosas en el arsenal del Salón de la Fama de Berlín y en la Iglesia Memorial Kaiser Wilhelm original de la ciudad, Geselschap fue celebrado como un pintor que había "vivido su vida en la creencia de que el Arte ... también podría guiar a la nación hacia un nivel superior de cultura ', y quien en la muerte' ascendió al mundo ideal, ... el verdadero hogar de su espíritu '.
El monumento conmemorativo de Geselschap es un registro con una breve inscripción y un diseño simbólico enmarcado por un borde decorativo con, en la parte superior un retrato en un medallón del artista apoyado entre querubines dolientes. Este resumen no hace justicia a su sorprendente efecto. El ojo del espectador se basa en la representación realista de un hombre anciano con cabello ralo pero barba exuberante, hasta un diseño grotesco en el pie de la lápida: un gran cráneo sin mandíbula que muerde una rosa globular, mientras una serpiente penetra en la cavidad del cuello y emerge a través de una cuenca del ojo. De este símbolo medieval del triunfo sonriente de la muerte sobre el amor y la belleza vierten lagartijas, sapos y serpientes más pequeñas que se retuercen en la parte inferior y en los costados, contenidas solo en los bordes. Por el contrario, en un relieve más claro que crece desde la corona del cráneo hay tallos de trigo maduro donde revolotean una libélula y una mariposa. El trigo forma una flecha central que señala el nombre del artista y divide la inscripción de dos líneas: 'UEBER DEN TOD HINAUS ALS HEROLD DES SCHOENEN / EWIG ZU LEBEN IST DEINER TAGE GOLDENE FRUCHT / 1835/1898' (’Triunfando sobre la muerte, un heraldo de lo bello, / Vivir para siempre es el fruto dorado de tus días ').
El lema explica parcialmente la iconografía del monumento: el arte creado durante la vida del pintor sobrevive para darle fama inmortal. Los símbolos de la muerte se limitan a la mitad inferior y a los márgenes, mientras que los símbolos ideales de belleza y arte, los querubines y el retrato enmarcado del artista decorado con follaje, dominan la mitad superior. La inmortalidad de Geselschap puede recibir una interpretación cristiana más ortodoxa. En el reverso del medallón crece una vid con racimos de uvas; El trigo y las uvas representan los elementos eucarísticos del pan y el vino, la mariposa el alma humana resucitada. Sin embargo, el lema idealizador y el retrato parecen débiles junto al cráneo y los reptiles macabros vívidamente realizados.
El choque de la muerte y la inmortalidad, grotesco e ideal, es más comprensible dadas las circunstancias de la muerte del artista y su relación con el diseñador. En septiembre de 1897, cuando salió de Berlín hacia Roma por última vez, Geselschap estaba enfermo, lidiando con reumatismo, trastornos digestivos y una llaga debilitante en la pierna. Inicialmente se alojó cerca de la Piazza del Popolo, luego se mudó a un apartamento en la Piazza di Spagna con mejor luz para dibujar. Trabajó intensamente en diseños para Hamburg Rathaus y Potsdam Friedenskirche. Geselschap se quejó de la "tumultuosa” Roma; "Llegan extranjeros, que siempre quieren que actúe como guía turística, y no lo puedo soportar mucho más". A pesar del cuidado de su ama de llaves y modelo Anna Lettkow, en marzo de 1898 se enfermó gravemente de gripe con "un alto grado de agotamiento nervioso". Los médicos aconsejaron un descanso total, y pasó abril recuperándose en la costa de Campania. Su condición física se estabilizó, pero sufría depresión y delirios. De vuelta en la Roma "con fiebres muy altas", Geselschap tuvo una crisis sobre la comisión de obras de Potsdam. El 16 de mayo escribió: "[Estoy] tan nervioso que apenas estoy durmiendo cuatro horas por noche, y no puedo hacer nada". Decidió regresar a Berlín a principios de junio, pero desapareció el 31 de mayo. Fue encontrado dos días después, colgado de un árbol cerca del Fonte dell’Acqua Acetosa. Tenía sesenta y tres años.
El eufemismo de "triunfar sobre la muerte" para designar el suicidio se origina en el diseñador del monumento, cuyo nombre está discretamente incripto : ‘R. SIEMERING / SEINEM FREUNDE ". El escultor Rudolf Siemering (1835-1905) fue contemporáneo directo de Geselschap. Compartían puntos de vista similares sobre arte y estética, y habían pasado el invierno juntos en Italia; Siemering y su esposa visitaron Geselschap en Roma en 1897. Siemering es conocido por importantes esculturas y monumentos públicos en Alemania y América: sus temas incluyen a Lutero, Federico el Grande y Washington. Su estilo público es realista, monumental e imponente, un marcado contraste con el simbolismo sobrecargado de esta creación personal impulsada por el dolor. El diseño de la tumba también expresó la creencia de ambos hombres en los poderes transformadores del arte y la importancia cultural del artista. Siemering concibe el monumento como una obra de arte unificada. El medallón del retrato tiene la firma del artista, mientras que el retrato y el cráneo son imágenes en espejo, ambos invertidos. El material de la tumba en sí articula la unidad: el bronce fundido, con la marca del fabricante "Lauchhammer" (una fundición artística alemana especializada en fundir esculturas, monumentos y campanas). El bronce brillante se ha opacado y oscurecido durante más de un siglo, pero el tributo de Siemering a un "heraldo de lo bello" es perdurable.
Contribución escrita por Samantha Matthews, quien agradece a Tom Baynes por su valiosa ayuda con la traducción del alemán. S.Matthews@bristol.ac.uk
Traducción del inglés realizada por Lisandro Orlov. orlov@uolsinectis.com.ar






ROSA BATHURST - Escultor RICHARD WESTMACOTT II

MEMORIAL DEDICADO A ROSA BATHURST. Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
Este es otro claro ejemplo de la influencia de la estética clásica romana pero con un mensaje e inspiración claramente cristiana.
RECURSO.
En 1824, Rosa Bathurst se ahogó en el río Tíber a los 16 años después de resbalar durante un espectáculo hípico. Su madre, que ya había perdido a su esposo en circunstancias misteriosas, volcó todo su dolor en una larga inscripción en inglés e italiano. Los relieves del escultor inglés Richard Westmacott II muestran a un genio que consuela a una figura femenina que llora (a un lado del monumento ) y que sostiene una antorcha al revés (por el otro lado). Era lo más parecido a la representación de la esperanza cristiana de una vida después de la muerte que en ese momento era imaginable, pero el tema aún se desarrollaba rigurosamente en un estilo neoclásico. Esta tumba se hizo famosa a través del escritor Henry James, quien la vio por primera vez en 1871 y la describió en su libro "Horas italianas"

ELISA WATSON - Escultor ERIK GUSTAV GOETHE

MEMORIAL DE ELISA WATSON. Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
Las escenas tomadas de la antigüedad clásica, especialmente romana son abundantes en este espacio y era muy propio del gusto de los artistas del período romántico.
RECURSO.
Tres tipos de monumentos, todos inspirados en la antigüedad clásica, eran populares antes de 1810: la columna, el sarcófago y el pedestal (o altar). Si hay alguna escultura en relieve, generalmente se limita a la imaginación heráldica o a motivos muy simples, como la urna y el disco como referencia al ritual de las libaciones funerarias. Incluso los primeros ejemplos de alto relieve en el cementerio son neoclásicos. La primera fue la hermosa placa erigida en memoria de la estadounidense Elisa Watson, Lady Tempie (1771-1809), una esposa querida y madre de cuatro hijos. Está inspirado en el ejemplo de los relieves de los altares romanos, con escenas de partida y luto . El escultor fue Erik Gustav Goethe, un artista sueco.





PATRIMONIO FUNERARIO DE LA CIUDAD DE ROMA

PATRIMONIO FUNERARIO DE LA CIUDAD DE ROMA.

Amigas y amigos: Con el objetivo de construir un archivo del registro fotográfico que he realizado durante el mes de noviembre 2019 del patrimonio funerario de Roma he creado este sitio muy específico. La idea es de ir compartiendo iglesia tras iglesia y basílica tras basílica el más que rico patrimonio de la ciudad. Intento acompañar cada imagen con alguna información. Tengo aún en espera el Cementerio Protestante que es un lugar que fue preferido de los poetas románticos y el impresionante Cementerio Monumental de Campo Verano. Siempre estoy abierto a sus comentarios y les invito a ser parte de ese espacio que en cierta manera es complementario de Cementerios de Facebook. Gracias.






GIUSEPPE PERUGINI

MEMORIAL DE GIUSEPPE PERUGINI.
Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019. GIUSEPE PERUGINI Y UGA DE PLAISANT
RECURSO
Giuseppe Perugini, 1914-1995. Uno de los máximos exponentes de la corriente del neorrealismo arquitectónico o el racionalismo italiano después de la Segunda Guerra Mundial. Como reacción al movimiento moderno. La arquitectura abandona el neoclasicismo y el monumentalismo del período fascista. La casa del árbol o la casa experimental diseñada por Giuseppe Perugini, Raynaldo Perugini y Uga De Plaisant se construyó en Fregene a fines de la década de 1960.





HENDRIK CHRISTIAN ANDERSEN

MEMORIAL DE HENDRIK CHRISTIAN ANDERSEN
Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
Hasta hace pocas semanas este nombre y su trayectoria, objetivos y aportes me eran totalmente desconocido. Gracias el encuentro de este memorial este espacio se transforma en un recurso cultural que amplia tanto mis conocimientos como mi sensibilidad. La biografía de este personaje es apasionante y su obra bien vale la pena conocerla. Doy gracias a estos senderos en este cementerio que me han llevado a este encuentro casi personal.
RECURSO.
Nacido en Bergen, Noruega, Hendrik Christian Andersen emigró con su familia a Newport, Rhode Island en los Estados Unidos cuando aún era un niño. Viajó por Francia e Italia antes de establecerse en Roma a fin de la década de 1890. Vivirá aquí durante más de cuarenta años, produciendo bustos construidos a partir de retratos y, más adelante en su carrera, desnudos masculinos monumentales.
El Museo Hendrik Christian Andersen se encuentra en la villa neorrenacentista, Villa Helene, que diseñó y construyó en Via Mancini en la década de 1920. Lo legó, al igual que todos sus contenidos, el estado italiano a su muerte en 1940. Inaugurado como museo en 1999, estuvo a cargo de la Superintendencia de la Galería Nacional de Arte Moderno hasta 2015. Desde 2015 ha pertenecido a El Polo Museale del Lazio.
La colección, de más de doscientas esculturas de diversos tamaños y medios, más de doscientas pinturas y unas trescientas obras gráficas, se centra en el concepto utópico de Andersen de una gran 'Ciudad Mundial', destinada a ser la sede internacional de un laboratorio de arte, ideas científicas, filosóficas, religiosas y culturales.








JOHN KEATS.

JOHN KEATS.
LAPIDA DEL POETA JOHN KEATS. Foto personal tomada el 10 de noviembre de 2019.
La frase "Aquí yace aquel cuyo nombre está escrito en el agua" me ha hecho sentir un profundo sentimiento de melancolía romántica que me ha sido de mucha ayuda. Este caminar y este recuperar memorias ha valido la pena.
RECURSO
El poeta John Keats, como muchos otros enterrados en la parte más antigua del cementerio, no era rico ni famoso cuando murió en 1821. No quería su nombre en la lápida, sino solo el verso: "Aquí yace aquel cuyo nombre está escrito en el agua. ”.
También pidió la imagen de una lira griega, con una cuerda rota, símbolo del silencio de la voz del poeta. Este motivo, único en el cementerio, está inspirado en la poética del mismo Keats, especialmente en su obra "Endymion", pero sus raíces están en la antigüedad.

HENDRIK CHRISTIAN ANDERSEN

HENDRIK CHRISTIAN ANDERSEN. 
Memorial de Hendrik Christian Andersen.
LA OBSESIÓN DE HENDRIK CHRISTIAN ANDERSEN.
Cuando Hendrik Christian Andersen tenía 27 años conoció a Henry James, un patriota y escritor estadounidense, 30 años mayor. Se enamoraron y a lo largo de sus vidas intercambiaron diferentes cartas de amor como la que James le escribió a Andersen después de la muerte del hermano de Andersen: "La sensación de que no puedo ayudarte, verte, hablarte, tocarte, abrazarte de cerca y por mucho tiempo, o hacer cualquier cosa para que descanses en mí y sientas mi profunda participación. Esto me atormenta, querido muchacho, me duele por ti y por mí mismo; me hace rechinar los dientes y gemir por la amargura de las cosas... "
La obsesión de Andersen se convirtió en la creación de una "Ciudad Mundial" utópica, destinada a ser la sede internacional de un laboratorio perpetuo de ideas en el campo de las artes, las ciencias, la filosofía y la religión.
Se suponía que la ciudad se llamaría algo como "el Centro Mundial de Comunicación" y también se suponía que era la capital mundial experimental sin una regla política precisa donde lo mejor del occidente, tales como magníficos edificios y esculturas monumentales.
A pesar del gran amor que James tenía por Andersen, perdió la paciencia y le escribió: "Simplemente detesto ciertas formas tan pretenciosas de palabras como" Mundo ", son para mí un simple sonido monstruoso sin sentido...”
James murió en 1916, y Andersen siguió escribiendo y creando muchas obras de arte en Roma. Cuando Andersen murió en 1940, legó todo al Gobierno italiano, incluida su casa llamada "Villa Hélène" en homenaje a su madre, su estudio, sus documentos y más de 400 piezas de arte.
Si visita Roma, puede encontrar el museo Andersen en piazzale Flaminio, y allí encontrará muchas piezas de arte de Andersen, incluidos otros artistas y fotógrafos contemporáneos.
Traducción Lisandro Orlov








EL ÁNGEL DEL DOLOR obra del escultor WILLIAM WETMORE STORY

"EL ÁNGEL DEL DOLOR" obra del escultor WILLIAM WETMORE STORY. Fotospersonales tomadas el 10 de noviembre de 2019.
Si bien esta obra es emblemática de este cementerio y la más admirada, personalmente creo que es una nota algo trágica en un espacio de sentimientos muy contenidos. En general dominan obras de expresión muy equilibrada y serena del dolor. Esta obra por el contrario expresa con mucha libertad el sentimiento amargo de las pérdidas. Esta opinión no puede opacar la belleza de la escultura y la ubicación muy estratégica, en la cima de la pendiente sobre la cual está construido todo el cementerio.
RECURSO
El ángel del dolor
Uno de los monumentos funerarios más bellos, pero menos conocidos de Roma.
William Wetmore Story
Estados Unidos, 1894
La pérdida de una persona muy cercana a cada uno de nosotros es una enorme tragedia irreparable que jamás entenderemos. El dolor nos contempla y la pena se apodera de nosotros.
Esto fue lo que sintió el escultor estadounidense William Wetmore Story al esculpir con sus propias manos El Ángel de la Pena, en el momento en el que lleva flores a la tumba de su amor verdadero. Obra en honor al fallecimiento de su amada de toda la vida, Emelyn Eldredge Story. William falleció justo un año después de esculpir esta obra, siendo enterrado también en el mismo lugar, aunque en el pedestal aún se mantiene solo el nombre de ella.
En italiano es conocida como L’Angelo del Dolore, y puede ser contemplada en su lugar de origen desde 1894, en la tumba de Emelyn, junto a la pirámide de Cayo Cestio en la capital italiana.
En la escultura de mármol y piedra vemos al ángel, que sitúa la cabeza sobre el brazo derecho con el que esconde su llanto. Conmocionado por la profunda pena, termina soltando las flores que tenía en la mano izquierda, quedando el brazo imponente en dirección al suelo.
Las alas de gran tamaño que surgen de la espalda no se muestran abiertas y portentosas, sino que están tristemente recogidas recorriendo la figura del ángel. De esta manera protegerá con esperanza a Emelyn y a su amor por ella.
Algunas de las flores que portaba el ángel se encuentran dispersas sobre los escalones de la base del pedestal, bajo la inscripción con el nombre de “Emelyn Story”.
La figura del ángel se posiciona de una forma desgarradora, sin fuerzas y repleto de dolor al no parar de pensar en ella mientras intenta entender la razón de su pérdida. Se derrumba y cae ante ella.
William consiguió el gran realismo que le caracterizaba en la mayoría de obras que realizaba. Esta calidad para esculpir que mantiene en toda la escultura se refleja a simple vista en las arrugas del ropaje.
El Ángel de la Pena fue una escultura que en el tiempo de ser realizada no consiguió llamar mucho la atención. Con el paso del tiempo, se posicionó con un nivel de fama muy importante. Como consecuencia, se convirtió en inspiración para numerosos monumentos funerarios y más de treinta réplicas. Algunas de las copias más conocidas están en New York, Maryland, Canadá, Costa Rica, Cuba y California.

MARIA OBOLENSKAYA - Escultor Mark Matvéievich Antokolski

MEMORIAL DE MARÍA OBOLENSKAYA. Fotos personales tomadas el 10 de noviembre de 2019
Aquello que me ha marcado al visitar este espacio ha sido la serenidad que aportan las obras de arte en las diversas expresiones. En este caso tenemos aquello que podríamos llamar una doliente despojada de todo gesto dramático y en silenciosa serenidad vela este memorial con una actitud de circunspecta tristeza.
RECURSOS.
LA ESPECTACULAR TUMBA DE MARÍA OBOLENSKAYA RESTAURADA.
A medida que se asciende el camino diagonal a través de la Zona 1 de este cementerio, no se puede evitar ver el monumento a Maria Obolenskaya. Una niña desconsolada está sentada frente a un monumento con frontón, con las puertas entreabiertas. Está tallado enteramente de diferentes variedades de mármol de Carrara, a excepción de los postes de metal de esa puerta. Su estatua estaba en condiciones particularmente malas debido al ataque de líquenes, algas y hongos y, en áreas menos expuestas, la presencia de una corteza negra causada por la contaminación atmosférica. La calidad inferior de este bloque de mármol había contribuido a su descomposición.
La totalidad de la tumba ha sido restaurada por Gianfranco Malorgio y Sara Toscan de la organización llamada Sinope Conservation, con fondos del Centro Ruso de Ciencia y Cultura en Roma. El Centro también ha financiado trabajos de mantenimiento en otras seis tumbas rusas, incluida la del pintor Karl Bruloff. Les estamos muy agradecidos a ellos y a Natalia Primakova, ex Agregada Cultural de la Embajada de Rusia en Italia, quien inició con entusiasmo la búsqueda de fondos y escribió la siguiente nota:
De los monumentos fúnebres rusos en el Cementerio acatólico, uno es el que llama la atención por su extraordinaria "belleza, poesía e intimidad", como escribió el pintor ruso Ilya Repin. Es la tumba de la princesa María Obolenskaya (San Petersburgo, 1 de julio de 1854 - Roma, 26 de marzo de 1873). Ella era la hija del gobernador de Moscú, Aleksey Obolensky y Zoya Obolenskaya (nacida como Sumarokova).
La familia Obolensky fue un buen ejemplo del famoso pasaje de Tolstoi en Anna Karenina: “Todas las familias felices son iguales; cada familia infeliz es infeliz a su manera ". En la década de 1860, Zoya Obolenskaya viajó a Italia" para mejorar la salud "de sus hijos Ekaterina, Sergey, Maria, Aleksey y Zoya. Más tarde, sin embargo, quedó cautivada por las ideas de Mikhail Bakunin, que estaba en Italia en el mismo período, y comenzó a financiar actividades de los anarquistas. En ese momento, tal comportamiento era severamente castigado. Zoya perdió su apoyo financiero y sus derechos de herencia, y sus hijos fueron llevados a Rusia por su padre. Algunos de ellos visitaron más tarde a su madre que permaneció en Europa. En uno de estos viajes a Roma, Ekaterina, la hija mayor, enfermó de viruela y María, que recientemente se había recuperado de la escarlatina y estaba cuidando a su hermana, fue vacunada contra esa enfermedad. Esta fue la causa de su inesperada muerte. Sin embargo, otras fuentes dicen que murió de tuberculosis. En Roma en ese momento estaba Mark Antokolsky, ya famoso escultor y amigo de las hermanas Obolenskaya. Originario de una familia judía observante en Vilnius, en 1870, a los 27 años, se le dio el título de "Académico".
En 1878 sus obras fueron expuestas en la Exposición Universal de París y fue galardonado con la Legión de Honor. Sus obras maestras fueron Iván el Terrible, Néstor el Cronista, Jaroslav el Sabio, Ermak y La muerte de Sócrates. En 1876 diseñó la tumba de Maria Obolenskaya, su única obra importante en Italia. En 1878 Sergey, otro hijo de Zoya, murió a los 27 años. Había ido a Egipto para curar su neumonía. El reverso de la tumba lleva una inscripción en hojas de oro: "A mis queridos hijos Marusya 1873 y Serezha 1878 de su madre".
Natalia Primakov
(Traducción del inglés por Lisandro Orlov. Buenos Aires. Diciembre 2019
Mark Matvéievich Antokolski, Vilna, 2 de noviembre de 1843 - 9 de julio de 1902 en Bad Homburg, cerca de Fráncfort del Meno, fue un escultor ruso, admirado por la complejidad psicológica de sus obras históricas y célebre en su país.



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